Resumen de la reseña de Melbourne: ¡Moulin Rouge! El musical; JID; Julio César; All Rise: Jazz at Lincoln Center Orchestra con Wynton Marsalis y The MSO; Convertirse en Eliza; Arte de la sinfonía

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Esta serie de espectáculos en Melbourne incluye el regreso del deslumbrante musical Moulin Rouge, una nueva versión hábil e inventiva de un clásico de Shakespeare, un recital que reúne lo mejor del pasado y el presente, un concierto del rapero estadounidense JID, una impresionante colaboración de concierto en Hamer Hall y un espectáculo de una sola noche que ofrece un vistazo detrás del telón del escenario.

MUSICAL ¡Moulin Rojo! El musical ★★★Regent Theatre, hasta el 31 de diciembre

¡Si hay una palabra para Moulin Rouge! El Musical, es exceso. Al igual que la película de Baz Luhrmann de 2001, en la que se basa libremente, esta producción tiene que ver con el brillo y el glamour, con un diseño de escenario, coreografía, vestuario y color llamativos (si no un poco vulgares).

El teatro se transforma en el interior del club titular: un molino de viento iluminado gira y un elefante de cinco metros de altura se cierne sobre la multitud. Los artistas tragan espadas y descienden del techo. Hay confeti y pirotecnia.

¡Moulin Rojo! El musical está protagonizado por Alinta Chidzey como Satine, Des Flanagan como Christian, Simon Burke como Harold Zidler, junto con Bert La Bonté como Toulouse-Lautrec, James Bryers como The Duke y Ryan González como Santiago. Crédito: Chris Parker

El espectacular musical está de regreso en Melbourne después de una temporada con entradas agotadas en 2021, que marcó un regreso posterior a COVID al teatro llamativo y caro. El reparto está nuevamente encabezado por Alinta Chidzey y Des Flanagan como Satine y Christian, la principal cortesana del Moulin Rouge y la escritora bohemia estadounidense que compite por su afecto.

Desde la última vez que se representó, ha aparecido un rival: ¡es difícil no compararse con el Moulin Rouge! El musical para el chico nuevo de la cuadra y Juliet. Ambos son musicales de máquina de discos, pero donde & Juliet se inclina hacia lo campestre y usa su música (toda del creador de éxitos sueco Max Martin) de manera coherente, ¡Moulin Rouge! El Musical va –otra vez– por los excesos.

¡Moulin Rojo! El musical tiene que ver con la ostentación y el glamour. Crédito: Michelle Grace Hunder

La gran cantidad de canciones pop incluidas en el programa (alrededor de 70) es agotadora. La mayoría están redactados en frases ingeniosas, que se sienten más como un juego de "nombra esa melodía" que como algo sustancial.

Algunas cosas funcionan bien: el número de apertura, incluido Lady Marmalade, es una delicia, y un descenso borracho a Sia's Chandelier es literalmente embriagador, pero lo más frecuente es que las canciones se combinen al azar y los puntos fundamentales se diluyan con elecciones flojas (Satine cantando Katy Perry's Los fuegos artificiales no tienen el impacto emocional que requiere el momento).

De hecho, el mejor tema es Come What May, la única canción original de la película: las voces de Chidzey y Flanagan se combinan maravillosamente.

Esta glotonería musical se produce a expensas del desarrollo de los personajes y la trama; es difícil sentir mucho por alguno de estos personajes cuando apenas tenemos la oportunidad de conocerlos.

El tema también parece anticuado, cuando Christian y un rico benefactor, el Duque (James Bryers), pelean por Satine; La caracterización de Christian en particular roza la manipulación y el lenguaje puede ser paternalista.

Si bien esta versión le da a Satine más agencia que una heroína completamente trágica, en última instancia sigue siendo un catalizador para la autorrealización de un hombre.

¡Moulin Rojo! El Musical es un festín para todos los sentidos: tiene un aspecto impresionante y las actuaciones son en su mayoría potentes. Tiene estilo a raudales y es imposible no sentirse cautivado por su enorme alcance, pero deja una sensación de vacío.

TEATROJulio César ★★★½Melbourne Shakespeare Company, cuarenta y cinco abajo hasta el 3 de septiembre

Cuando Marc Antony, de Natasha Herbert, aúlla: "¡Grita '¡Havoc!' y deja escapar a los perros de la guerra", su pasión y poder vocal incitan a los volátiles romanos a la acción violenta, enviando emoción a la audiencia.

La obra de Shakespeare puede titularse Julio César, pero los personajes que impulsan la acción son Antonio y Bruto (Matthew Connell). Antonio, que sigue siendo la mano derecha de confianza de César, y Bruto, que es el aliado político de César hasta la deserción de Bruto.

El elenco de Julio César incluye a Matthew Connell (atrás), Malith, Natasha Herbert, Jacqueline Whiting, Mark Wilson, Mark Yeates, Leah Baulch y Annabelle Tudor. Crédito: Chelsea Neate

La obra comienza con el estadista y general César (Hunter Perske), llegando a Roma para un desfile triunfal después de derrotar militarmente a su rival, Pompeyo. Con fingida humildad, César rechaza tres veces la oferta de una corona de Antonio. Esto confirma los temores de Casio (Mark Wilson) por la República Romana, por lo que exhorta a Bruto a unirse a un complot para asesinar a César para salvar y restaurar la libertad, la paz y la libertad.

Lo que sigue es una escalada galopante de intriga y traición, crisis política, asesinato, división y guerra civil bajo líderes opuestos: el honorable pero indeciso Bruto y el talentoso orador Antonio. El público romano es voluble, la violencia hierve, el gobierno es frágil y los líderes no son necesariamente altruistas.

Mark Wilson, Matthew Connell, Malith, Jacqueline Whiting, Annabelle Tudor en Julio César. Crédito: Chelsea Neate

La dirección hábil, inventiva y ágil de Richard Murphet impulsa la narrativa y los personajes principales desde el principio conspirativo hasta el final sangriento. Su interpretación del texto de Shakespeare es muy clara y enfatiza la humanidad de los personajes, mientras que la intimidad de sus relaciones aumenta la sensación de traición.

La apasionante interpretación que Herbert hace de Antony es el corazón palpitante de esta producción mientras ella se transforma de una amiga afligida a una oradora apasionada y, finalmente, a una estratega militar astuta y desapasionada.

Su interpretación textual y técnica física y vocal son impecables, y su interpretación del discurso de Antonio “Amigos, romanos, compatriotas” es emocionante.

Aunque Connell es un Brutus más joven de lo común, captura la nobleza, las dudas y la indecisión de Brutus mientras se enfrenta a la enormidad y la inexorabilidad de sus acciones.

Si bien la calidad de la actuación del elenco es desigual, Wilson vibra con rabia como Cassius “delgado y hambriento”, Mark Yeates captura el ingenio y la astucia pícaros de Casca y el físico robusto de Perske le da sustancia al César envejecido y debilitado que teme malos augurios.

La iluminación atmosférica de Kris Chainey y el evocador paisaje sonoro de Grace Ferguson mejoran el diseño inspirado de Dale Ferguson que incorpora las paredes de ladrillo desgastadas, las ventanas con marcos toscos y el piso de madera del sótano, utilizando su amplio espacio para una columnata de postes de andamios y tres escalones bajos que representan el sitio. del asesinato de César.

La inteligente producción de Murphet de la obra de Shakespeare invita a comparaciones con la geopolítica contemporánea en la que algunos líderes navegan por una ola de popularidad para convertirse en autócratas como César. Revisado por Kate Herbert

MÚSICAEl arte de la sinfonía ★★★★Melbourne Chamber Orchestra, Melbourne Recital Centre, 27 de agosto

Jano, el dios mítico que mira hacia el futuro y regresa al pasado, bien podría haber sido una inspiración para esta celebración de la sinfonía cuidadosamente curada por la Orquesta de Cámara de Melbourne.

Los elementos positivos y de futuro vinieron con una colaboración y un encargo.

Cuatro estudiantes de la escuela secundaria Victorian College of the Arts se unieron a la orquesta para interpretar la Sinfonía simple de Benjamin Britten. Raistlin Chan, Hannah Tyrell, Tom Protat y Chiara Kelle encajan perfectamente en un relato pulido y atractivo de esta popular obra, en la que las descripciones de los movimientos del compositor (Boisterous Bourree, Playful Pizzicato, Sentimental Sarabande y Frolicsome Finale) cobraron vívidamente vida.

Dos sinfonías de la música y compositora flamenca del siglo XVII, Leonora Duarte, precedieron el estreno de una obra especialmente encargada al compositor y violonchelista radicado en Melbourne Caerwen Martin. Sinfonia No. 1 Embracing Duarte es un lienzo sonoro amplio e imaginativo que abarca elementos de la escritura de Duarte para violas y los reinterpreta en un simpático lenguaje armónico y textural contemporáneo. Entre algunos momentos conmovedores se encontraba una exigente cadencia de violín interpretada brillantemente por la directora de MCO, Sophie Rowell.

Esta interpretación del Arte de la Sinfonía es un buen augurio para el futuro de la MCO. Crédito: Jessica Tremp

El libro que cerró el concierto fueron obras que honran la historia de la forma sinfónica.

Sinfonía en fa mayor op. 24, No. 3 provocó un juego cuidadosamente refinado; El cuerpo sonoro cálido y generoso de la orquesta impresiona especialmente en los movimientos lentos.

La Sinfonía n.° 49 en fa menor de Haydn ciertamente hizo honor a su apodo: la Sinfonía “Pasión”. Pulsando con energía chispeante y atención al detalle, todo el dramatismo y la elegancia de esta excelente pero poco conocida partitura se expresaron plenamente.

Este concierto estuvo marcado por una excelente interpretación y un alegre espíritu de equipo junto con una mezcla de respeto por el pasado y esperanza por el futuro. Mientras Rowell recorre su primera temporada como directora, la actuación es un buen augurio para el futuro de la MCO. Revisado por Tony Way

MÚSICA JID | Tour para siempre y un día ★★★Salón de fiestas, 26 de agosto

Una fuerte ovación surge de la multitud mientras un reflector ilumina al productor de JID (y DJ acompañante) Christo. Desde su lugar en la cabina del DJ, anima a todos a “hacer algo de ruido” mientras el rapero de 32 años sube al escenario.

El rapero estadounidense JID actúa en Melbourne. Crédito: Rick Clifford

El músico de Atlanta JID saltó a la fama por primera vez en 2014 como parte del colectivo Spillage Village, antes de firmar con el sello Dreamville Records del rapero J.Cole en 2017. Su concierto en Melbourne marca el aniversario de 12 meses de su tercer álbum de estudio de 2022, The Forever Story.

El rapero abre con NEVER, una canción de su álbum debut The Never Story y pasa a Off da Zoinkys del álbum Dicaprio 2, antes de lanzarse a las nuevas canciones Raydar y Dance Now. Escupe con confianza la letra a capella cuando Christo silencia los ritmos, mostrando su característica técnica de ritmo rápido en el verso final de Off da Zoinkys. Christo ocasionalmente se une a JID mientras recorre el escenario y trabaja con la multitud.

Reflexionando sobre su último álbum, JID describe The Forever Story como “un álbum comunitario… un álbum familiar”.

El ambiente del concierto cambia a medida que cambia a temas más lentos y sentimentales, Bruddanem, Sistanem y Kody Blu 31, que se centran en su relación con sus padres y hermanos, y Stars, que explora sus aspiraciones anteriores de emular a otros raperos del sur de Estados Unidos. , incluidos André 3000, Kanye West y Lil Wayne.

La técnica de ritmo rápido característica de JID se mostró en su actuación en el Festival Hall. Crédito: Rick Clifford

La fiel base de fans de JID canta en voz alta su nombre y le grita sus propias letras, volviéndose más ebrios y ruidosos a medida que avanza el espectáculo.

El concierto se completa con una lista de canciones creada en torno a las solicitudes de los fanáticos, incluida la canción 2007, una adición tardía a The Forever Story.

Durante toda la actuación, la iluminación fue impredecible, pasando de un escenario completamente iluminado entre canciones a luces LED brillantes mientras JID actuaba, haciendo que las cosas pareciera más un club de RnB/Hip Hop que un lugar de música.

Fue una actuación sólida, pero los efectos visuales inconsistentes y la rebeldía del público finalmente restaron valor a la experiencia general. Revisado por Vyshnavee Wijekumar

MÚSICATodo se levanta: Jazz en LincolnOrquesta Central con Wynton Marsalis y The MSO ★★★★½Salón Hamer, 25 de agosto

Incluso antes de tocar una nota, es imposible no quedar deslumbrado por la escala de la Sinfonía n.° 1 de Wynton Marsalis, All Rise. La mera visión de 180 artistas ocupando cada centímetro del escenario en Hamer Hall el viernes por la noche fue suficiente para inspirar asombro.

Incluso antes de tocar una nota, es imposible no quedar deslumbrado por la escala de la Sinfonía n.° 1 de Wynton Marsalis, All Rise. Crédito: Nico Photography

All Rise, una obra de 12 movimientos para una orquesta sinfónica, una orquesta de jazz y un coro de 100 personas, es épica en su alcance y ambición. Representa un blues de 12 compases en grandes dimensiones, que refleja nuestro viaje por la vida en términos individuales, comunitarios y espirituales.

Es una obra densa y elaborada, que cobró vida en su estreno en Melbourne gracias a la Jazz at Lincoln Center Orchestra de Nueva York, la Melbourne Symphony Orchestra y un imponente coro compuesto por el MSO Chorus and Consort of Melbourne.

All Rise es una síntesis profundamente convincente de las creencias musicales, personales y espirituales de Marsalis. Crédito: Nico Photography

El director Ben Northey utilizó gestos tanto compactos como expansivos para dirigir secciones de los conjuntos combinados mientras se cruzaban, divergían y convergían. Los primeros movimientos (que representan el nacimiento y el autodescubrimiento) vibraban con energía y colores musicales en constante cambio, desde percusión sincopada hasta exuberantes metales de Ellington, gráciles oleajes guiados por cuerdas y estridentes toques al estilo de los Apalaches.

Los movimientos intermedios descendieron a la oscuridad del pecado, la duda y la crisis existencial. "¡Salvanos!" Los coristas entonaron con tristeza, mientras una procesión fúnebre de Nueva Orleans gradualmente daba paso a un estado de ánimo más optimista.

Con la redención ganada, entramos en un caleidoscopio de irresistibles estilos de baile sudamericanos (mambo, milonga, tango) y nos embarcamos en una locomotora palpitante en Expressbrown Local. El vibrato de tonos puros de la cantante de jazz de Melbourne, Michelle Nicolle, marcó el comienzo del conmovedor movimiento final, instando a todo el conjunto a unirse para un dramático crescendo que inesperadamente dio paso a una jubilosa celebración de Dixieland.

La complejidad de múltiples capas y los constantes cambios rítmicos, armónicos y tonales hicieron que la escucha fuera exigente (ocasionalmente agotadora), pero All Rise es una síntesis profundamente convincente de las creencias musicales, personales y espirituales de Marsalis. El propio Marsalis permaneció instalado dentro de la sección de trompetas, pero su voz artística resonó en todas partes, vestida con ropa sinfónica, pero con jazz y blues en su corazón que latía ferozmente.

MUSICALConvertirse en Eliza ★★★½Anna O'Byrne, Teatro de Comedia, 26 de agosto

Anna O'Byrne cuenta con una carrera internacional estelar que abarca ópera y musicales, y se ha convertido en la realeza del teatro musical australiano, habiendo interpretado a Christine Daaé en Love Never Dies y en Phantom of the Opera en el West End. Pero es su transformación en Eliza Doolittle en la producción de My Fair Lady de Opera Australia de 2016, dirigida por la Eliza original, Dame Julie Andrews, la sustancia de este viaje musical en solitario y autonarrado.

Anna O'Byrne se ha convertido en la realeza del teatro musical australiano. Crédito: Jeff Busby

Vestida con un traje pantalón morado, sencillo y holgado, en marcado contraste con los exquisitos vestidos de Cecil Beaton que usó en My Fair Lady, O'Byrne se dirige directamente a su cariñoso público, encantándolos y cautivándolos con descripciones evocadoras de su carrera con todas sus fuerzas. sus éxitos vertiginosos y algunos fracasos destructores de almas.

La narración cronológica, simple pero efectivamente construida, escrita por O'Byrne, está salpicada de anécdotas entre bastidores y coloreada con un lenguaje vívido, a menudo lírico. Entrelaza extractos de canciones de My Fair Lady y otros musicales entre historias reales de su largo, accidentado y arduo camino hasta interpretar a Eliza: el proceso de audición, la espera, la aplastante llamada de rechazo inicial, el encuentro nuevamente con la cálida y generosa Julie Andrews, luego la inesperada oferta para interpretar a Eliza que fue a la vez estimulante y aterradora.

Anna O'Byrne cuenta la historia de "Becoming Eliza" en su programa unipersonal. Crédito: Jeff Busby

Lo que sigue es el agotador proceso de ensayo con todos sus altibajos y dudas, y O'Byrne describe cómo, en su camino para convertirse en el personaje de Eliza, experimenta que la Eliza ficticia se convierte en su compañera real y constante. Este tipo de actuación en solitario confesional y reveladora podría desviarse hacia lo sensiblero o autoindulgente, pero O'Byrne afortunadamente evita eso al permanecer con los pies en la tierra y ser identificable.

La soprano de O'Byrne tiene un registro superior emocionante y un vibrato fino. Su voz puede ser atrevida y poderosa, cálida y encantadora o dulcemente delicada, lo que la hace perfecta para el repertorio de canciones que incluye favoritas como I Could Have Danced All Night, Couldn't It Be Loverly?, My Favourite Things, In My Mi propio rinconcito y tengo confianza.

Sharon Millerchip, una decana del teatro musical, dirige el espectáculo de manera discreta, con un excelente acompañamiento musical al piano por parte del célebre director musical Michael Tyack, con el violinista Roy Theaker, la violonchelista Kalina Krusteva y Katri Tuomennoro en el contrabajo. Los músicos no sólo tocan las melodías, sino que también subrayan la narración, estableciendo la atmósfera para cada episodio de la historia de O'Byrne.

Becoming Eliza es una historia musical entre bastidores sin el musical real, y O'Byrne cautiva al público con sus reveladoras historias personales, su impecable voz y su agradable presencia en el escenario. Es un espectáculo para los fanáticos de O'Byrne y los aficionados a los musicales clásicos. Revisado por Kate Herbert

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